Jaime Hayon es de esos diseñadores que no necesitan presentación. Mobiliario, escultura, interiorismo, pintura… Toca y mezcla todos los palos sin complejos desde su estudio al que considera una familia. Nació en Madrid pero hace más de 20 años que hizo de Valencia su ciudad de adopción y basta con contemplar una pieza suya para saber que no se pliega a los intereses de la industria.
Tu trayectoria abarca múltiples disciplinas, ¿cómo defines la frontera entre “diseño” y “arte”? ¿Crees que hoy en día sigue siendo relevante mantener esa distinción?
Sinceramente, esa frontera me aburre soberanamente. Si existe, es una línea que me interesa muy poco. Para mí, la creatividad es creatividad. Cuando me levanto por la mañana no digo: “Hoy soy artista” u “Hoy soy diseñador”. Yo soy un creador. Pinto, dibujo, esculpo y diseño sillas. Todo nace del mismo lugar: mis cuadernos, mis dibujos, mi experiencia…
Respecto a la relevancia de mantener la distinción, la etiqueta sirve para el mercado, para que las galerías o las tiendas sepan dónde ponerte, pero para el creador es una jaula. Por supuesto, si hago un jarrón lleno de agujeros y no puede contener agua, es una escultura; si funciona, es diseño. El diseño tiene una obligación funcional, debe servir a la gente, mientras que el arte es para uno mismo, para la libertad absoluta. Pero mi lucha siempre ha sido inyectar esa libertad artística en el objeto industrial. Que una silla te abrace, o que una escultura pueda columpiarte, como mi Green Chicken.
«Me considero un creador. Pinto, dibujo, esculpo y diseño sillas«, dice el diseñador Jaime Hayon
¿Cómo concilias la libertad creativa con los parámetros técnicos, funcionales o de producción inherentes al diseño para mobiliario u objetos?
Empiezo siempre soñando. El lápiz es mi herramienta de libertad absoluta. Al principio no pienso en el molde o en el coste de producción; pienso en la historia, en la silueta, en la emoción. Trabajo con ingenieros y artesanos increíbles. Mi filosofía es: “Vamos a hacer que esto funcione sin matar el alma de lo que intento transmitir”. Si tengo que sacrificar la comodidad o la función básica, entonces es mal diseño. Pero hoy en día, la tecnología y la artesanía de alto nivel permiten casi todo. El parámetro técnico no es un muro, es un puzzle que hay que resolver con creatividad y un poco de diversión.
Si tuvieras que dar un consejo a un estudio joven que aspire a trabajar en diseño industrial y en contract, ¿cuál sería la prioridad: crear un lenguaje propio reconocible o demostrar capacidad técnica y versatilidad ante los clientes?
¡Lenguaje propio, sin duda! La técnica se aprende, se contrata, se adquiere. Pero la visión…
Eso es lo que te hace único. Si miras mi carrera, al principio nadie entendía nada: un pollo mecedora, cactus de cerámica… Decían que estaba loco. Pero esa locura se convirtió en mi firma. A los jóvenes les digo siempre: sed vosotros mismos. No copiéis lo que sale en Instagram o en las revistas de tendencias. Buscad vuestra propia voz, vuestras raíces, vuestro folclore.
Si tienes un estilo y un concepto fuerte, puedes hacer lo que quieras. Los clientes no te buscan porque sepas usar un programa de 3D mejor que nadie, te buscan porque quieren tu mirada sobre el mundo.
España cuenta con una extensa tradición en artesanía y diseño. Sin embargo, muchos diseñadores españoles desarrollan su carrera en el extranjero. Desde tu experiencia internacional, ¿qué se podría mejorar en España para atraer el talento?
España tiene algo que el dinero no puede comprar: la “mano”. Tenemos artesanos de la cerámica, la madera, el vidrio y el cuero que son tesoros que debemos conservar y potenciar. Lo que nos falta, quizá, es creérnoslo más a nivel industrial y empresarial.
En Italia o Escandinavia, la industria del diseño es una cuestión de estado, de orgullo nacional y de marketing brutal. Aquí a veces somos tímidos a la hora de vender nuestra excelencia.
Necesitamos que las empresas españolas sean más valientes, que apuesten por el diseño de autor no como un adorno, sino como estrategia de negocio. Si apoyamos la industria local con una visión global y ambiciosa, el talento no tendrá que irse fuera para triunfar.
«Mi estudio no es una corporación gigante, ni quiero que lo sea. Somos una familia«
Perteneces a una generación de diseñadores que a principios de los 2000 sentaron las bases de lo que es el diseño industrial español actual, ¿Qué relación tienes con otros estudios que empezaron entonces?
De respeto y compañerismo. Fue un momento muy bonito, de ruptura. Veníamos de una época muy minimalista, muy seca, y de repente aparecimos unos cuantos con ganas de color, de narrativa, de humor. Patricia Urquiola (que aparte de en España, es una reina por derecho propio en Milán), Nacho Carbonell, y tantos otros… Cada uno tiene su camino, pero nos une esa pasión mediterránea y esa capacidad de improvisación y frescura. No nos vemos demasiado pero cuando nos cruzamos en Milán o en cualquier feria siempre hay un momento para comentar, ponernos al día…
¿Cómo estructuráis el estudio para trabajar en proyectos de gran escala que requieren una alta coordinación entre diseño, arquitectura, fabricación y cliente final?
Mi estudio no es una corporación gigante, ni quiero que lo sea. Somos una familia, un equipo ágil. Tenemos base entre Valencia y Barcelona, con una oficina técnica en Italia y pero funcionamos de forma muy orgánica. Yo soy el director creativo.
Estoy en todo: desde el primer trazo en mi cuaderno hasta la elección del color final. Pero confío plenamente en mi equipo para la parte técnica, gestión, y desarrollo de los proyectos. Cuando abordamos un interiorismo grande (un hotel en Bangkok o en Madrid), colaboramos. Yo pongo la visión, la “esencia”, el arte, el mobiliario customizado, y trabajamos mano a mano con arquitectos locales o ingenieros para la ejecución.
¿Hasta qué punto participas personalmente en el desarrollo técnico de piezas o en el seguimiento de obra cuando se trata de interiorismo o diseño de producto?
¡Mucho! Soy muy físico. Necesito tocar. No me basta con un render. Voy a la fábrica, toco el prototipo, me siento en la silla, veo si la curva de la madera es atractiva o si no funciona. Si el prototipo no tiene “alma”, repetimos hasta encontrarla.
En las obras de interiorismo igual. Me verás allí, mirando cómo incide la luz, cómo funciona el espacio. El detalle es lo que diferencia lo bueno de lo excelente. Soy exigente, pero porque amo lo que hago.
En tu faceta como artista realizas instalaciones, esculturas y pintura. ¿Qué aporta esa práctica artística al interiorismo comercial? ¿Crees que esa dimensión artística debería tener más peso en el contract contemporáneo?
Aporta esencia y personalidad. El contract a veces corre el riesgo de ser genérico, de parecer un catálogo de muebles bien puestos. El arte rompe eso. Cuando pongo una escultura mía o un cuadro, o diseño una lámpara que parece un personaje, el espacio cobra vida. Deja de ser un lobby de hotel y se convierte en un escenario, en mi universo.
Y sí, absolutamente debería tener más peso. La gente ya no viaja solo para dormir en una cama limpia; viaja para vivir experiencias, para inspirarse. Un hotel o un restaurante debe ser un templo de sensaciones, y ahí el arte es la mejor herramienta para emocionar.
¿Qué desafíos te gustaría abordar en los próximos años? ¿Hay alguna disciplina nueva que te atraiga y no hayas explorado?
Me atrae la escala monumental. Me gustaría hacer seguir haciendo espacios especiales o escultura pública gigante en plazas de ciudades. Algo que cambie el paisaje urbano y haga sonreír a la gente que va a trabajar. También me pica la curiosidad el mundo del cine o la escenografía teatral a gran nivel. Crear un mundo entero, no solo los objetos que hay dentro. ¡Queda mucho por jugar!
Puedes leer la entrevista completa en spaincontract num. 56